CRITICA: Enola Holmes (2020)

Experiencia e impresiones: Además de verse como una producción sólida, mi principal motivación para ver este film fue el fanatismo que tengo por las novelas de Arthur Conan Doyle y todo su universo. Sin embargo, desconozco las historias de Enola, así que la vi sin saber mucho de qué se trataba. Claro que sabía que no iba a ver algo canónico ya que el personaje de Enola fue creado en el año 2006 por la escritora Nancy Springer y que su obra es una especie de reimaginación con una perspectiva probablemente más moderna.

Sinceramente esperaba más, pero no puedo calificar a la película de decepcionante en lo absoluto. Enola Holmes es una propuesta decente de entretenimiento para toda la familia y muy especialmente para los más jóvenes. De hecho, es notable que por el tratamiento que tiene la película, la elección de actores, etc el film apunta a captar al público juvenil más que a los fanáticos del canon holmesiano. Lamentablemente, no veremos a Sherlock participar mucho de la acción y tampoco el misterio a resolver es demasiado intrincado como se acostumbra en sus relatos.

Más allá de que Henry Cavill no me convenza mucho como Sherlock Holmes (probablemente no por su culpa, sino por el enfoque que se le da al personaje, al igual que Mycroft) su interpretación como el detective es bastante buena y esto aplica a casi todo el cast de la película. Millie Bobby Brown tiene un carisma natural que hace que sea muy fácil vincularse con ella y con las emociones de su personaje. La participación de Helena Bonham Carter es casi un cameo, pero también es buena.

Técnicamente, la fotografía, vestuarios y locaciones utilizadas son impecables. El ritmo está bien manejado aunque creo que la duración del film pudo haber sido menor y eso lo hubiera hecho más dinámico. Tampoco me gustó mucho el uso del recurso de romper la cuarta pared (con Enola hablándole a los espectadores), porque te recuerda todo el tiempo que estás viendo una película y no te permite sumergirte del todo en la historia.

Historia del film (breve): Enola, la hermana menor del famoso detective Sherlock Holmes, vive sola con su madre en la casa familiar. Un día descubre que su madre ha desaparecido sin dejarle mucho más que unas extrañas pistas. A pesar de que sus hermanos planean enviar a Enola a un internado para que se convierta en una dama respetable, ella escapa y va en busca de su madre a Londres. En el camino conocerá a un particular joven que también huye de su familia y se verá involucrada en una aventura que pondrá en riesgo su propia vida.

Por qué deben esta película: «Enola Holmes» no me parece un must see para nada, pero creo que perdonándole algunos traspiés que tiene, puede aceptarse como una buena oferta de entretenimiento. Además aporta una visión nueva o alternativa a estos personajes legendarios de la literatura clásica.

Romina Be

CRITICA: La materia oscura (2019)

Experiencia e impresiones: En el 2011 vi la película «La brújula dorada» (The Golden Compass) la cual me gustó mucho y descubrí que se basaba a una saga de libros del escritor Philip Pullman. Tuve la suerte de conseguirlos y poder leerlos, lo cual realmente fue afortunado porque la continuación de aquel film de New Line Cinema nunca se hizo realidad y la historia quedó inconclusa. Muchas personas en mi situación nos alegramos al conocer la noticia de esta serie porque sentimos que al fin veríamos en material audiovisual la historia completa, y correctamente adaptada, algo similar a lo ocurrido en 2017 con Una serie de eventos desafortunados.

La materia oscura (His dark materials, 2019) tiene las mejores intenciones y eso es valorable; se toma la historia en serio y no solo promete una continuación, sino que se mete de lleno en el contenido de la secuela del primer libro, como para demostrarnos la solidez de ese compromiso. Sin embargo, a mi parecer, no fue suficiente. Entre las principales falencias de la serie, cabe destacar el ritmo inestable y en algunos casos hasta denso, redundando en situaciones que ya no causan sorpresa y haciendo algunos tramos del relato demasiado extensos. También se ha cambiado el desarrollo de algunos hechos,  modificado sutilmente a algunos personajes y se han agregado personajes nuevos a la historia, pero en mi opinión ningún cambio respecto a la novela aporta nada interesante. Los actores, si bien son apropiados y son buenos actores en general, no han sido del todo aprovechados ya que el guión no los hace destacarse mucho.

Los FX de la serie van mejorando hacia el final, pero mucho de los daimonions (si es que aparecen, porque han sido omitidos en GRAN parte de los capítulos siendo algo esencial de la historia) se ven irreales. Sin embargo, el aspecto visual de la serie en cuanto a fotografía, vestuarios, sets, etc., es uno de los mayores fuertes de la producción de la BBC y no decepciona en lo absoluto.

Historia de la serie (breve): Lyra Belacqua es una estudiante huérfana que vive en el colegio Jordan de Oxford, en un mundo parecido y a la vez diferente al nuestro. Motivada por la desaparición de su mejor amigo Roger y otros niños, ella emprenderá una viaje donde descubrirá las verdades de su mundo y también sobre ella misma. Para guiarse en esta peligrosa hazaña, el rector del colegio le obsequiará un aletiómetro, una herramienta misteriosa que le permite saber aquellas cosas que Lyra necesita.

Por qué no deben ver esta serie: Con todo el dolor que implica para mí decirlo, teniendo gran afecto por los libros (excepto el último, que me parece que tiene una conclusión bastante insípida) no recomiendo la serie con mucho entusiasmo, porque la consideré una pérdida de tiempo. Los lectores de esta saga estarán a la expectativa de ver reflejadas en ella cosas que no se representaron muy innovadoramente; los que desconocen la historia se hallarán un poco perdidos quizás al principio por detalles que son enredados sin motivo alguno. El suspenso no atrapa y el drama no llega siempre a conmovernos del todo.

Romina Be

CRITICA: The Mandalorian (2019)

Experiencia e impresiones: Me costó mucho mirar esta serie ya que, a pesar de que me gusta Star Wars, nunca tuve ninguna curiosidad por los mandalorianos, ni por su exponente mas «famoso», Boba Fett. Sin embargo, existe una gran parte del fandom que admiró siempre a este personaje y quiso saber siempre más sobre él y su credo.

Tampoco la premisa de acción se me hacía atractiva, o el personaje ‘adorable’ con el cual Disney piensa vender mucha merchandising seguramente (bautizado por los fanáticos «Baby Yoda»). Aún así, después de muchas críticas positivas y comentarios favorables decidí verla, y creo que se trata de un buen producto. Es que, para tener atrapada a una persona que no tenía previamente ningún interés por los personajes ni por el período histórico ficticio abordado, algo bueno debe tener.

Me parece una serie bien dirigida, actuada, con buena música (y sobre todo buen juicio de cuando utilizarla y cuando dar lugar al silencio), buena fotografía, efectos especiales, un guión simple pero entretenido, buena edición y producción en general. Mi única objeción es hacia algunas coreografías de pelea que me parecieron un poco lentas en la ejecución o irreales, pero me parece un detalle mínimo en comparación a los aciertos de la serie.

Historia de la serie (breve): Mando es un cazarrecompensas mandaloriano, perteneciente a este credo casi extinto. En uno de sus encargos, se topa con que su objetivo es una criatura desconocida, la cual cambiará su forma de vivir hasta el momento y hará que nuevos enemigos lo tengan en la mira.

Por qué deben ver esta serie: Sin dudas, un fanático de Star Wars está, diría, obligado a ver esta serie, porque expande el universo ofreciendo un producto decente y de fácil visionado. Para el resto del público, es una serie de acción y ciencia ficción que puede resultarte interesante si estás familiarizado con el género, ya que son muy pocas las nociones del universo ficticio de Lucas que se deben conocer para comprender la historia.

 

Romina Be

CRITICA: El Cristal Encantado, La Era de la Resistencia (2019)

Experiencia e impresiones: Empece a ver esta serie minutos después de ver un episodio de Carnival Row, y el salto de una cosa a otra fue notable, ya que (en principio) The Dark Crystal: Age of Resistence tiene un tono inocente y simple, sobre una historia épica y fantástica. Pero al terminar de ver el primer episodio me di cuenta de lo equivocada que estaba. No estamos frente a un producto ni inocente, ni simple, ni infantil. De hecho, no recomiendo esta serie a espectadores muy jóvenes ni muy impresionables, ya que si bien no muestra nada explícito, posee algunas situaciones e imágenes que pueden resultar un poco shockeantes para los niños y las personas sensibles. Para ser más concreta o directa, calculen que más o menos muere un personaje por episodio, mientras que otros son torturados, mutilados, etc (como aclaré antes, nada explícito, no verán vísceras pero sí un poco de sangre y cosas así).

Haciendo la advertencia aparte, les comento que me encantó la serie desde el primer capítulo. Recordaba la película con mucho aprecio, pero esta serie redobla la apuesta en cuanto a producción y eleva el nivel de complejidad tanto de la historia, como de los aspectos técnicos, aprovechando las posibilidades disponibles de estos tiempos. Y si, se siente como una historia más adulta que la de la película, profundizando en el paralelismo que podemos trazar entre los pueblos de Thra y las sociedades de nuestro planeta. La serie nos invita a repensar en la relación tanto histórica como actual entre oprimidos y opresores y el rol que tiene la esperanza en los intentos de cambiar las cosas para lograr la verdadera armonía entre nosotros y nuestra tierra, donde habitamos. Es decir, son recurrentes también los cuestionamientos al uso (y abuso) que ejercemos sobre los recursos naturales.

Sin embargo, también sentí una leve decepción al finalizar la serie, ya que posee un final abierto, que nos deja muchos interrogantes y nos da la impresión que los hechos no nos han conducido a nada…o quizás no a lo que esperábamos. No podemos establecer una conexión y una continuidad directa hacia lo que ocurre en el film original; tenemos un hueco temporal, donde no sabemos qué pasa o cómo se llega al Thra que vimos en la película. Probablemente esto solo sea a causa de que Netflix vaya a desarrollar otra temporada, pero en caso que esa temporada no se confirme pronto, existe un riesgo de que esta obra tan bien desarrrollada, se eche a perder por quedar desconectada del film, o con incongruencias e incógnitas que tendremos los espectadores.

Historia de la serie (breve): Precuela de El cristal encantado (1982). En el maravilloso mundo de Thra, siete clanes de una especie de elfos llamados gelflings conviven en armonía, pero sin relacionarse, gobernados por la Pan Maudra, quien sirve a los señores del Cristal Oscuro (fuente de toda energía en Thra), los skekses. Sin embargo, estos seres ambiciosos se alimentan del Cristal para alargar sus propias vidas, sin saber que la corrupción creciente del Cristal está «oscureciendo» toda Thra, contaminando algunos de sus seres vivientes. Los gelflings deberán entonces enfrentar a los señores del Cristal y rebelarse contra en orden establecido para que todo vuelva al equilibrio natural y su misma raza no sea exterminada.

Por qué deben ver esta serie: Si hace tiempo que extrañan ver algo de Peter Jackson en la Tierra Media (llámese El señor de los Anillos, El Hobbit, etc) esto será lo más parecido que encontrarán actualmente. De hecho Jim Henson admitió haberse inspirado en su momento en la obra de Tolkien, al construir este mundo de seres fantásticos.

También obviamente es recomendada a los fans de las películas de fantasía épica de los ’80, como La historia sin fin (1984) o Willow (1988). Una vez que se supera el impacto inicial de ver marionetas y esa sensación de rareza que puede producir, es un producto similar a estos otros.

Romina Be

OPINION: ¿Qué tan importante es Into the Spiderverse dentro del género de superhéroes?

Cabe aclarar, que quien escribe el presente artículo es una gran fanática de la animación. Las animaciones, usen la técnica que usen (stop motion, animación por computadora, tradicional 2D, etc), sean de la época que sean, o del origen que sean (occidental, oriental, etc), para adultos o infantiles, y sean grandes producciones o de carácter independiente, me interesan en sobremanera y siempre captan mi atención. Es por eso probablemente, que no resistí dedicarle un posteo a esta película que ya es todo un fenómeno actual.

Desde tiempos lejanos, las editoras más famosas y grandes de cómics de USA, Marvel y DC, han sido vistas como rivales por muchos y se las ha sometido a constantes comparaciones. Una vez que ambas llegaron al medio televisivo, en forma de shows animados, la superioridad de DC frente a Marvel fue notable. No solo sus shows fueron más exitosos, sino que en términos de calidad ofrecían mucho más que los shows que adaptaban las tiras cómicas de Marvel. Para no extenderme en historia y explicaciones, basta con decir que Marvel presentaba una animación muy rudimentaria, con historias o guiones algo estrafalarios y con pocos personajes que lograran empatizar con los espectadores, mientras que en los shows de DC ocurría todo lo contrario, y lo mismo se mantuvo a lo largo de los años (por citar un ejemplo, una de las series animadas más elogiadas durante años fue la de Batman, que dio comienzo en 1992).

Esta situación también se traslado al ámbito de las series televisivas con actores, a las que ambas empresas apostaron. Mientras DC cosechó éxitos, como el mítico show de Adam West en los ’60 o la serie de la Mujer Maravilla, de la otra vereda Marvel no supo repetir la fórmula y ninguna de sus series fue exitosa ni muy recordada (quizás su punto mas alto fuera la serie de Hulk, con Lou Ferrigno en los ’70). Al menos hasta la llegada de la empresa a Netflix, que ya es otra historia (aún así con series de menos temporadas que las de DC).

El año 2008 fue la oportunidad de dar vuelta la balanza para Marvel. Exceptuando la trilogía de Spider-man de Sam Raimi, hasta el momento Marvel no contaba con adaptaciones fílmicas que tuvieran gran repercusión ni prestigio, mientras que DC había producido las consideradas mejores películas de superhéroes (incluso ese mismo año salió The Dark Knight, de Christopher Nolan). Pero al emprender la aventura del MCU, Marvel logró una fórmula exitosa que DC no supo emular y llegó a saturar el mercado con sus propias películas, convirtiéndose así (en asociación con Disney) en una de las empresas que mas millones de dólares ha recaudado con sus películas.

En resumen, durante años Marvel «perdió» la batalla contra DC en cuanto a lo audiovisual se refiere; sus animaciones eran inferiores, sus series con actores eran inferiores y sus películas eran menos exitosas y tenían críticas dispares. Este último punto fue altamente superado y mejorado en los pasados diez años, donde Marvel «revirtió» la situación con la creación del MCU. ¿Pero qué sucede con la animación? Esta era la gran deuda de Marvel.

Spiderman: Into the Spiderverse vino para saldar esa deuda, demostrando que los personajes de Marvel también pueden brindarnos grandes películas animadas y que eso no es solo un privilegio de su empresa rival. Para esto se recurrió a los responsables de la película de Lego, Phil Lord y Chris Miller, quienes trabajaron con un equipo idóneo para esta tarea. La película, a diferencia de largometrajes anteriores de Marvel (lanzados para Blu-ray, DVD y otras plataformas), está pensada a gran escala y con mucha ambición para ofrecer grandes escenas de acción, drama y hasta de comedia.

Uno de los grandes retos para sus realizadores, fue resultar innovador con tantas producciones de superhéroes previas, que parecen haber agotado el género hasta el hartazgo y no distinguirse ya unas de otras…y sale airoso de esta cuestión, ya que la película aporta un enfoque fresco al utilizar su circunstancia particular como eje de la historia, planteando una trama en la que conviven diferentes universos, y postulando que Spidermans puede haber muchos, que cada uno tiene su misión particular donde sea que esté y por lo tanto, que dentro de todos existe un héroe o heroína.

La cinta no solo presenta una buena técnica, buen arte y una historia decente bien llevada, sino que también utiliza recursos comiqueros (como los globos de diálogo, onomatopeyas y hasta la textura de imprenta), referencias a la cultura popular y hasta memes que conectan con los fanáticos fácilmente. Es también notable como los autores dejan su impronta desde el lado estético, que notarán todos aquellos que hayan visto sus producciones anteriores.

Into the Spiderverse resulta así, una obra que cualquier fanático del mundo de los superhéroes y los comics no puede dejar dejar pasar, ya que probablemente se convierta en el puntapié para que Marvel apueste a más animaciones en un futuro cercano, llenando ese espacio que había descuidado durante años.

Romina Be

 

CRÍTICA: Ergo Proxy (2006)

Experiencia e impresiones: Durante años quise ver esta serie pero no tenia demasiada motivación para hacerlo. Hoy día, bastante más familiarizada con el cyberpunk que la primera vez que oí de ella, la vi de principio a fin y he quedado muy conforme por haberlo hecho.

En los primeros tres capítulos la serie me fascinó por su estilo de realización, animación, diseños y arte. Sin embargo, esta emoción fue decayendo con los siguientes episodios, ya que la narración principal empieza a estancarse, hay cambios de estilo muy notorios que atentan contra la unidad e integridad del producto, innecesario uso de fanservice y animación deficiente en algunos casos. El resultado es una serie un tanto inestable, que de a momentos parece una obra de arte y de a momentos un anime de acción común y corriente. Fue el último trabajo del estudio Manglobe, lo que explicaría un poco el porqué de esta inestabilidad. Sin embargo, de todo creo que lo peor es el mal desarrollo narrativo: luego de desperdiciar mucho tiempo repitiendo cosas ya sabidas o situaciones ya mostradas, en los últimos episodios la serie se ve obligada a hacer una explicación condensada de otras cosas, y esto no se justifica habiendo desaprovechado oportunidades previas.

En mi opinión, Ergo Proxy padece de un complejo de inferioridad por parte de sus creadores. Me da la impresión de que no estaban seguros de tener un material muy «bueno» o profundo en cuanto a la historia, de poseer una trama débil o poco interesante y por esto trataron de hacerla parecer más de lo que es, edulcorando con recursos que luzcan innovadores o simplemente diferentes y esto le juega un poco en contra, ya que a veces no tiene razón de ser. A mi parecer, la historia en sí es compleja, interesante y super rica para un anime de este género, pero que a la hora de ponerla en imágenes se utilizan recursos de una forma un poco atropellada, lo que logra que se pierda un poco el eje de la narración o de la idea general. Lo bueno es que en casi todos los capítulos se mantiene inalterable la atmósfera de la serie, que es lo que más consistencia le da.

Historia de la serie (breve): Re-L Mayer es una agente de la Oficina de Inteligencia Ciudadana en la ciudad futurista de Romdeau. Su vida se ve alterada cuando una peligrosa criatura sobrenatural acusada de infectar a los androides que sirven a los humanos se aparece en su casa dejándole un extraño mensaje. Re-L empezará entonces un viaje para descubrir las verdades que las autoridades y sus seres cercanos le ocultan, acerca de Romdeau, del planeta en sí y de sus propios orígenes.

Por qué deben ver esta serie:  Si son amantes del cyberpunk, la respuesta es obvia: Ergo Proxy es una propuesta más dentro del género que realmente tiene algo que ofrecer, incluso a pesar de sus tropiezos en cuanto a detalles como la animación, el desarrollo narrativo,etc. A quienes no les interese el género, pero le gusten las historias que mezclan acción con un drama filosófico podrán hallarla entretenida. Y quienes busquen un anime con un estilo de dirección fuera de lo standard, más jugado y con influencias occidentales, también les gustará.

Referencias:

-El arma de Re-L Mayer es similar al arma de Deckard en Blade Runner (1982).

-En el episodio 21 aparece un personaje muy parecido Zorg, el villano encarnado por Gary Oldman en la película El quinto elemento (1997).

-Will B. Good (personaje del episodio 19) es una clara referencia a Walt Disney, ya que además de su parecido aspecto físico, se lo presenta como el creador de un mundo animado. También sus creaciones poseen diseños similares a los de los primeros años del estudio de animación.

-En el episodio 18 Proxy One mata a otro personaje de la misma manera que Nexus 6 mata a Tyrell, en Blade Runner (1982).

-En el episodio «Quién quiere estar en Jeopardy?» se hace una comparación entre el hueso como herramienta de los humanos prehistóricos y una nave espacial como el avance de la tecnología. Esto es muy parecido al comienzo de 2001: Odisea en el espacio (1968).

-En el segundo episodio de la serie se produce una secuencia parecida a la de las escaleras de Odessa del film El acorazado Potemkin (1925).

-En el episodio 14, Re-L aparece medio sumergida en el agua. Dicha imagen es descripta en Hamlet de William Shakespeare, para un personaje con el mismo nombre que el episodio en cuestión. Este capítulo también posee una realización muy particular, que algunos fanáticos han llegado a comparar con la de David Lynch, caracterizada por saltos temporales, mezclas entre sueño, imaginación y realidad e imágenes o situaciones perturbadoras en combinación con otras más calmas.

-Existen otras referencias más directas a autores, libros y conceptos propios del campo de la filosofía (por ejemplo, Raison De’tre).

 

Romina Be

VERSUS: La máquina del tiempo

 

¿La original o el remake? ¿Qué hicieron bien y en qué se equivocaron?

En esta nueva sección analizaré La máquina del tiempo (1960) y La máquina del tiempo (2002), ambas basadas en la novela fantástica de H.G. Wells.

Vale la pena aclarar que esta afamada novela, clásico de la ciencia ficción, ha sido adaptada para cine y televisión por lo menos cinco veces. Sin embargo, sus adaptaciones más destacadas o más conocidas son las que he elegido para contraponer en este breve análisis.

¿Cuál es la mejor? Lamentablemente, no tengo una respuesta clara a esto. Ambas me parecen obras decentes que hacen las cosas bien por un lado, pero que tienen algunos descuidos por otro. Lo más importante es resaltar que ambas versiones tienen una visión muy diferente del mensaje de la novela de H.G Wells.

 

La máquina del tiempo, de George Pal (1960)

La mayoría de los críticos y el público en general, eligen esta película como la mejor adaptación de la novela, a causa de que posee una crítica social, acerca de la deshumanización que sufren estas sociedades retratadas en el futuro, en las cuales se evidencian la ignorancia, la falta de valores, de sensibilidad, de empatía; como también la naturalización de la violencia y del sometimiento. Esto se ha perdido bastante en la adaptación más reciente, porque si bien son aspectos que están presentes en los personajes, no se cuestionan ni se les da demasiada importancia ya que el foco de la historia va por otro lado.

Una de las objeciones que se le puede hacer a este film, es la carencia de motivación del protagonista para viajar en el tiempo. En realidad, no es que no exista, la motivación sería la curiosidad científica. Pero por todo lo que se pone en riesgo y cómo está planteado el personaje parece no ser suficiente, ya que se ve como una motivación superficial, o que se supone lógica solo por el hecho de que él es un científico. El problema es que el protagonista en sí no posee demasiada profundidad emocional, ya que su caracterización se da en un metraje muy breve de la película, al comienzo. Para decirlo claramente: sabemos muy poco de él; qué piensa, siente, cuáles son sus valores e ideales, su historia de vida, su familia (¿no tiene familia?¿está alejado de ella?). Solo se hace hincapié (y también esto en gran parte del film) en su lazo de amistad con el personaje de David Filby.

 

La máquina del tiempo, de Simon Wells (2002)

La adaptación de Simon Wells (descendiente del escritor de la novela original) tiene un enfoque mucho más centrado en la ciencia ficción en sí. Explora a fondo el concepto de los viajes en el tiempo y su naturaleza, puntualizando en temas como las paradojas temporales y el destino, sin recaer en un planteo moral o ético tan explícito como lo hacía la película de Pal. El aspecto emocional del protagonista también está más explorado, ya que su motivación para viajar es justamente, rescatar a su amada Emma de las garras de la muerte.

Una de las más grandes virtudes del film tiene que ver con las posibilidades tecnológicas de ilustrar un concepto tan complejo como lo que planteaba Wells en la novela. Es decir, gracias al momento en el cual fue realizada la película, se pudo lograr mayor verosimilitud e incluso explorar más allá inventando nuevas posibilidades. Un ejemplo puntual es la escena de la biblioteca; en ambas versiones, los libros se encuentran destrozados o en mal estado, por lo que el conocimiento de los mismos ha sido almacenado en un dispositivo extraño. En la versión antigua, se trataba de unos «anillos hablantes» los cuales al girar, reproducen una voz que explica algo sobre un tema aleatorio. En esta versión, esos dispositivos son suplantados por una especie de pared de cristal, en la que se refleja a un individuo quien es en realidad una personificación de lo que sería un navegador de internet, o un explorador de archivos. Este personaje (llamado Vox) posee además una personalidad propia; a pesar de ser una herramienta tecnológica no es reducido a un simple robot automático sino que es capaz de expresar emociones. También otro ejemplo posible es el aspecto de los Morlocks, el cual se ve menos bizarro y más aterrador que en la película anterior debido a las técnicas de maquillaje y efectos especiales.

Otra de las virtudes técnicas del film se encuentra en su banda sonora, a cargo de Klaus Badelt. La versión antigua poseía algo de música, pero nada memorable. Además aquí también interviene el uso de nuevas tecnologías para la edición y la búsqueda de darle un toque más majestuoso o impactante al film, lo cual hizo que probablemente se invirtiera más dinero en la banda sonora que en la versión anterior.

Conclusión:

Definir qué adaptación está mejor lograda depende de lo que al espectador le parezca más interesante: si el dilema y desarrollo de un viaje en el tiempo y sus implicaciones, o  la visión crítica sobre la sociedad actual y sus posibilidades de progreso hacia el futuro con determinados valores adquiridos y perdidos.

 

Romina Be

CRITICA: Se levanta el viento (2013)

Experiencia e impresiones: La vi en cines, después de temer mucho que no la trajeran a las salas argentinas. En mi localidad duró solo una semana y la retiraron de cartelera. Desde el primer minuto, luego del logo de Studio Ghibli, me pareció emocionante. Ya de solo ver esas nubes características de Miyazaki y los agradables sonidos de la banda compuesta por Joe Hisaishi es imposible no sensibilizarte y meterte de lleno en el clima mágico y nostálgico de la película.

El mensaje de Se levanta el viento es claro y potente. Dentro de las debilidades del film (que son pocas), mencionaría el extraño ritmo que siempre poseen las películas japonesas. Parece que se acerca la conclusión y la película continúa. Por otro lado, se puede llegar a notar la superposición de historias que no vinculan tan naturalmente (Miyazaki tomó historias reales de dos personas diferentes para hacer esta película), lo cual hace que como espectador en un momento te preguntes: «¿Cuál es la historia principal? ¿Qué quieren contarme?» pero al tratarse de una historia de vida esa falencia no hace demasiado ruido, ya que cuando narramos la historia de la vida de alguien es posible que esta no nos lleve a un solo lugar, sino a varios. Para decirlo de forma más clara, la vida es compleja, y es una superposición de historias y cosas; y al igual que en este film, posee un ritmo irregular, no es un cuentito con introducción, nudo y desenlace, sino un trayecto que está atravesado por muchas más complejidades de distinta forma.

Historia del film (breve): Jiro Horikoshi es un hombre que sueña con diseñar aviones importantes, ya que desde niño le apasionan los aviones pero no pudo ser piloto (por sus problemas de vista).  Mientras avanza en pos de su sueño, viaja a Alemania donde conoce a Nahoko, una joven japonesa a la que él rescató en el gran terremoto de Kanto años atrás. Jiro y Nahoko se enamoran y se comprometen aunque la exigencia del trabajo de Jiro y los problemas de salud de Nahoko, sumados al contexto caótico de la crisis y la guerra, les harán cuestionarse si vale la pena seguir el camino que ambos eligieron para sus vidas.

Por qué deben verla: En primer lugar, porque es la última obra de Miyazaki, y como tal, fue planeada y pensada para que fuera una película especial y muy significativa de lo que es su cine. Es por esto que es una película con un buen desarrollo y sobre todo, con un guión muy sólido, que aborda temas muy importantes de las épocas que narra, a la vez que funciona como una oda al una de las mayores obsesiones del director japonés: la aviación. Es una película con una narrativa muy poética e imaginativa, que lleva la animación a un lugar menos común al no tratar una historia apuntada a un público más joven e infantil, sino un drama basado en hechos históricos reales (obviamente, con algunos cambios inventados, como suele ser en estos casos) que logra conmover y captar a espectadores maduros.

Romina Be

ESPECIAL: Grandes escenas del cine fantástico

Algunas de las escenas más recordadas de la ciencia ficción, la fantasía épica y el cine de superhéroes. Los videos incluidos están solo en inglés, pero no poseen mucho diálogo, así que sirven para traer a la memoria estos valiosos films.

 

ALIEN (1979). La criatura emergiendo de Kane.

Imposible olvidar esta escena una vez que se la ha visto. No apta para impresionables, nos aclara que estamos viendo una película de terror espacial, por si aún teníamos dudas. Como dato de color, se supo después que algunos de los actores fueron realmente asustados, ya que no se les había explicado lo que iba a ocurrir o cómo se iba a desarrollar. La escena se convirtió en algo tan icónico que fue parodiada muchas veces, incluso por el mismo actor en la película Spaceballs (1987).

 

BLADE RUNNER (1982). Reflexión final de Roy Batty

Esta famosa escena (muchas veces llamada simplemente «Tears in the rain») fue tan impactante y tan amada que Denis Villeneuve no pudo evitar recrearla (o mas bien, homenajearla) de alguna forma en la secuela, Blade Runner 2049 (2017). Sin embargo, claramente Roy Batty (interpretado por Rutger Hauer) aquí lo es todo. Existe el mito alrededor de que fue una escena improvisada, y que esas grandes frases del personaje fueron sugerencias del actor. Realmente, una obra de arte por sí misma.

 

VOLVER AL FUTURO (1985). Baile del ‘Encanto bajo el mar’.

Vamos a algo más «liviano» aunque según Marty McFly todo pese en el futuro… Seguramente ya al ver la miniatura del video tengas alguna melodía en la cabeza. Toda la escena del baile del «Encanto bajo el mar» es ingeniosa y entretenida; tenemos momentos de comedia, de romance, de suspenso, incluso acción, todo en UNA SOLA escena. Ejecutada brillantemente por Robert Zemeckis, probablemente sea el momento más recordado de esta famosa película. Y de yapa lo tenemos a Michael Fox haciendo un cover de Chuck Berry.

 

EL IMPERIO CONTRAATACA (1980). Darth Vader vs. Luke

«No, yo soy tu padre». Una de las frases más parodiadas y citadas de la historia del cine. Hizo enloquecer a los fanáticos en su época, dándoles una revelación inesperada. La música la acompaña muy bien, las actuaciones son más que adecuadas y el escenario jamás se nos borrará de la mente. Porque no existe nada más cool que Vader apretando su puño mientras nos invita a «gobernar la galaxia, juntos»…¿Podríamos resistirnos a esa terrible invitación?

 

 

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA COMUNIDAD DEL ANILLO (2001). Persecución.

El Señor de los Anillos está llena de escenas icónicas, pero ¿cómo no señalar el escape de los Nazgul? Es el primer desafío grande que enfrentan los hobbits casi recién salidos de la Comarca. Estos misteriosos espectros transmiten miedo con su sola presencia y nos hacen preguntarnos realmente si nuestros protagonistas podrán escapar y cómo lo harán. El clima está excelentemente logrado como en muchas otras partes de la película.

 

E.T. (1982). Vuelo en bicicleta.

Imposible no mencionar esta memorable escena grabada en todas las retinas. Su impacto fue tan fuerte, que Spielberg decidió tomarla como iconografía de su productora (Amblin). La música de John Williams acompaña y a la vez crea emociones gigantes.  Otra escena también muy recordada es la despedida de Elliot y E.T., donde el extraterrestre le promete «Estaré aquí mismo».

 

BATMAN EL CABALLERO DE LA NOCHE (2008). Escena introductoria

Una genial introducción a una de las películas que marcaron un antes y un después en el género superheroico. No solo nos trasmite la atmósfera «nolanesca» sino que también nos introduce al personaje del Joker, el cual en su momento, era la gran incógnita; «¿quién es este Joker?» «¿servirá este actor para el papel?» Creo que al terminar el robo y poder ver el rostro del personaje, se nos respondieron enseguida todas esas preguntas que teníamos antes de ver el film. Lo que no te mata te hace más extraño.

 

 

Romina Be

NOTICIAS: Repasamos la música de los Oscar 2018

En la ceremonia n°90 de los premios de la Academia tenemos varias bandas sonoras que se escucharon en el 2017 nominadas. Se podrá ver un repaso de estas increíbles piezas musicales en nuestro Twitter oficial a partir de mañana, y durante toda la próxima semana: https://twitter.com/LQNGV

Todos los días se posteará sobre una película distinta ¿Cuál resultará ganadora?

Relacionado un poco, también a lo largo de estos meses en el Facebook oficial de Lo que nos gusta ver, se podrán encontrar varias bandas sonoras (OST) famosas de la historia del cine, en interpretaciones sorprendentes y originales.

¡No pierdan la oportunidad de ver algunos de estos posts en las redes sociales!

 

Romina Be